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15 películas impactantes para usar como paleta de colores Inspo para su próximo proyecto de diseño

Algunas películas son lo suficientemente hermosas como para verlas incluso sin sonido, y esas también son las que nos inspiran a redecorar nuestros hogares o, al menos, a cambiar nuestras paletas de colores. Con eso en mente, decidimos reunir algunas de nuestras películas favoritas en busca de color e inspiración para interiores, desde paletas exuberantes y súper saturadas hasta paletas suaves, apagadas y ambientales (lo que significa que excluimos algunas de las mejores películas en blanco y negro, nada personal a The Lighthouse, Un Chien Andelou, y una niña camina sola a casa por la noche).

Sigue leyendo para disfrutar de un placer visual y prepara tu dedo para sujetar.

París, Texas (1984)

La película comienza con un hombre llamado Travis, que se encuentra vagando sin rumbo fijo por el desierto en un estado de fuga hasta que un médico en un asentamiento remoto finalmente puede localizar al hermano y al hijo del hombre. Paris, Texas, se centra en el reencuentro de Travis con su hijo mientras se embarcan en un viaje por carretera para localizar a su esposa y su madre, que ha estado desaparecida durante algunos años. Es un clasico "película de carretera," (piense en On the Road, Nocturnal Animals y Thelma y Louise) donde el protagonista deja atrás su vida en busca de respuestas a sus preguntas existenciales en la inmensidad yerma de la carretera abierta, generalmente en la forma de un paisaje desértico del suroeste de Estados Unidos. Y dado ese telón de fondo, es una mezcla impresionante de luces de neón que arrojan un brillo inesperadamente hermoso en las habitaciones de motel de mala muerte y luego en planos abiertos del desierto con autopistas serpenteantes. Sería negligente mencionar que Nastassja Kinski también se suma a la belleza de la película..

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Director: Wim Wenders; Director de fotografía: Robby Müller

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Un hombre soltero (2009)

Dirigida por el diseñador de moda Tom Ford, A Single Man está a la altura de las exageraciones de su director y algo más: Ford sabe deleitar la vista con su gran atención a la estética. La película tiene lugar en un solo día en Los Ángeles de mediados del siglo XX, siguiendo a un profesor anciano mientras navega por la vida cotidiana después de la trágica y abrupta pérdida de su pareja más joven. Es un poco como la Sra. Dalloway, en el sentido de que puedes vislumbrar tanto el universo de la conciencia interna como una ciudad antropomorfizada (en este caso, Los Ángeles en lugar de Londres) y todo se siente meditativo y soñador, como estás perdido en el trance con el protagonista.

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Director: Tom Ford; Director de fotografía: Eduard Grau; Diseñador de producción: Dan Bishop

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Todo sobre mi madre (1999)

Como figura destacada de La Movida Madrileña (también conocida a veces como "el destape," o, la explosión / descubrimiento) un movimiento cultural en España que se desarrolló después de la caída de la dictadura de Franco, Pedro Almodóvar hace películas llenas de declaraciones de contracultura y resistencia, pero también a menudo usa el humor y la belleza para explorar nociones de opresión y penuria. Todo Sobre Mi Madre no es una excepción. Nuestra protagonista, Manuela, pierde a su hijo adolescente en un trágico accidente al comienzo de la película, y luego pasa el resto de la película buscando a la madre transgénero de su hijo para informarle de la pérdida. Se hace amiga y se reconecta con varias mujeres en el camino, cada una ayudándola a explorar su dolor, sanar y aprender. Con capas de ficción en todas partes, como guiños a All About Eve y homenajes al inimitable poeta español Frederíco García Lorca, la película es decididamente rica, tanto temática como visualmente..

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Director: Pedro Almodóvar; Director de fotografía: Affonso Beato; Diseñador de producción: Antxón Gómez

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Ella (2013)

Ella se enfoca en la vida amorosa de un hombre sensible y solitario, Theodore, mientras navega por el divorcio mientras se enamora inesperadamente de su IA personalizada, Samantha (Scarlet Johansen), con quien se relaciona constantemente a través de sus auriculares bluetooth. Es una locura pensar que la noción de pequeños audífonos que nos susurran cosas dulces en público mientras atravesamos las trincheras de la vida cotidiana parecía tan futurista hace solo unos años cuando se estrenó esta película, quién sabía que los auriculares con cable se considerarían una reliquia. del pasado tan pronto? Su conexión amorosa suena espeluznante al principio, claro, pero cuando un compañero similar a un humano está diseñado para satisfacer todas sus necesidades, es fácil imaginar cómo sería la pareja romántica ideal. La película plantea algunas preguntas complejas, como el significado de conexión y personalidad. Eso, e inevitablemente crea una relación que depende de la dinámica de un propietario / objeto. La trama se complica cuando Samantha madura más allá de la imaginación de los programadores y desarrolla el deseo de existir fuera de las necesidades de Theodore, momento en el que la relación experimenta algunos dolores de crecimiento. Aunque el contacto físico es mínimo en Ella, el mundo físico que crea Spike Jonze es tan mágico como parece..

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Director: Spike Jonze; Director de fotografía: Hoyte van Hoytema; Diseñador de producción: K. K. Barrett

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En el estado de ánimo para el amor (2000)

In the Mood for Love es un rompecorazones silencioso y provoca la reflexión de una película. Sigue a dos vecinos solitarios, un joven y una mujer, que vivían en el Hong Kong británico a principios de la década de 1960. Los dos encuentran consuelo en la compañía del otro mientras simultáneamente comienzan a alejarse de sus respectivos socios, de quienes también sospechan cada vez más pero a los que siguen siendo leales. Está brillantemente filmado, con fuertes señales visuales que impulsan la historia. Desde el apartamento sofocantemente abarrotado rebosante de estampados florales, espejos en cada pared y otros símbolos domésticos sofocantes hasta los momentos tensos de los intentos desesperados de los protagonistas que se resisten a su conexión magnética, es una historia pensativa e irresistible de la claustrofobia y la distancia simultáneas en matrimonio.

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Director: Wong Kar-wai; Director de fotografía: Christopher Doyle y Mark Lee Ping Bin; Diseñador de producción: William Chang

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Bestias del sur salvaje (2012)

Beasts of the Southern Wild es hermoso y único, prueba de que el Realismo Mágico, una mezcla de fantasía caprichosa y realismo valiente, deslumbra más allá de las páginas de un libro y también en la pantalla. Ambientada en una comunidad de Delta Bayou separada del resto del área por un dique, el espectador toma la perspectiva de Hushpuppy, de 6 años, quien está siendo entrenada por su padre para sobrevivir al fin del mundo cuando de repente se enferma. , y llega el apocalipsis para el que se ha estado preparando. A medida que las aguas suben y una tormenta inminente amenaza con arrasar su comunidad, ella huye y, a lo largo de su viaje de escape, comienza a encontrarse con enormes animales prehistóricos. Quvenzhané Wallis se convirtió en la persona más joven en ser nominada a mejor actriz en los premios de la academia por su papel de Hushpuppy, y su actuación por sí sola hace que valga la pena verla. Pero ten cuidado: no puedes sentarte a través de este con los ojos secos..

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Director: Benh Zeitlin; Director de fotografía: Ben Richardson; Diseñador de producción: Eliza Zeitlin y Alex DiGerlando

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La Piscine (1969)

Quizás una de las películas más elegantes y sin esfuerzo jamás realizadas, al más puro estilo francés, La Piscine hará que quieras emular todo lo que ves en ella. Ubicado en una gloriosa villa en la Costa Azul, se trata de una pareja, Jean-Paul y Marianne, que se van de vacaciones a la casa de vacaciones de su amigo cuando aparece otro dúo sorprendente: el ex amante de Marianne y su hermosa joven de 18 años. hija. Se desarrolla mucha tensión sexual y romántica y celos, la mayoría de los cuales tienen lugar junto a la piscina o en el mar. Es un reloj divertido, desde el estilo de vida veraniego del laissez faire, impulsado por la lujuria, hasta el diseño de mediados de siglo y, por supuesto, Jane Birkin en su forma más llamativa. Si quieres más, mira el remake de 2016 de Luca Guadagnino (él es el director detrás de Call Me By Your Name), A Bigger Splash, no tan casualmente llamado así por la influyente pintura de David Hockney..

Consigue la paleta de colores de La Piscine

Director: Jacques Deray; Director de fotografía: Jean-Jacques Tarbès; Diseñador de producción: Paul Laffargue

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Demonio de neón (2016)

No estábamos bromeando cuando dijimos que podías ver algunas de estas películas en silencio y no perderte el ritmo. En Neon Demon, toda la historia se cuenta casi exclusivamente a través del simbolismo visual, desde el león de montaña que asola un seductor motel de Hollywood hasta las luces estroboscópicas en un club nocturno y las luces de la ciudad que se inflaman en la distancia mientras es un adolescente etéreo y precoz pero vulnerable. baila sobre el horizonte de Los Ángeles. Algo cursi y exagerado, Neon Demon es un movimiento de terror satírico, pero también se lee como una crítica de la industria de la moda. Como tal, hay inspiración en la paleta de colores en cada toma..

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Director: Nicolas Winding Refn; Director de fotografía: Natasha Braier; Diseñador de producción: Elliott Hostetter

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París está ardiendo (1990)

No todas las películas más bellas son ficticias; tomemos, por ejemplo, Paris Is Burning. En este documental de 1990 sobre la vida nocturna y la contracultura de la ciudad de Nueva York, explorarás el mundo de los bailes de travestismo donde se inventó y se celebró la moda. Da voz a las comunidades desfavorecidas y desafía nuestras nociones de autenticidad y formación de identidad al resaltar las muchas subculturas de las que la cultura dominante se ha apropiado y descontextualizado desde entonces. Y para este, retiramos lo que dijimos sobre verlos en silencio: las entrevistas y la banda sonora son incomparables..

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Director: Jennie Livingston; Director de fotografía: Paul Gibson

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Eduardo Manostijeras (1990)

Ah, los años de Winona. Esta película es la combinación perfecta de cosas que no necesariamente combinaríamos: arquitectura gótica, estilo emo y suburbios de mal humor, monocromos y empapados de pasteles. Este clásico de principios de los 90 sigue a una adolescente de buen corazón (el personaje de Ryder, por supuesto), mientras se hace amiga del paria de la ciudad, una especie de creación de Frankenstein con unas tijeras gigantes en las manos, y hay inspiración en el vestuario y la paleta de colores..

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Director: Tim Burton; Director de fotografía: Stefan Czapsky; Diseñador de producción: Bo Welch

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Desprecio (1963)

¿Qué sería de un resumen de una película hermosa sin una mención de Godard? Si bien el desprecio es su mayor éxito comercial, sigue siendo igual de impactante visualmente y encantador. Además, está protagonizada por Brigette Bardot, por lo que aún más razón para ponerla en el centro de atención. El desprecio es una película sobre la propia industria cinematográfica, que sigue a un productor de Hollywood importante que choca con su director de una adaptación de La Odisea. Luego contrata a un dramaturgo casado con Camille (Bardot) para que trabaje en el guión y, a partir de ahí, las cosas se calientan. Las tensas citas románticas, los conflictos profesionales y los hermosos escenarios abundan en esta película clásica de Hollywood..

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Director: Jean-Luc Godard; Director de fotografía: Raoul Coutard

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Luz de luna (2016)

Esta es una de esas películas que nunca olvidarás, con sus imágenes dolorosamente hermosas, sus actuaciones brillantemente conmovedoras y sus historias bien comunicadas. Moonlight captura un sentido de lugar diferente a cualquier otro, también, presentando el calor sofocante de Miami de una manera que imita acertadamente la opresión del protagonista, Chiron, un chico negro gay. Lidiando con problemas de formación de identidad y pertenencia en medio de la adversidad, la película sigue a Chiron a medida que crece y navega por su sexualidad y descubre el apoyo y el amor de figuras poco convencionales. Moonlight también brinda a la audiencia nuevas representaciones del amor, romántico y sexual, paterno y platónico, junto con la búsqueda del amor propio cuando es posible que no podamos encontrarlo en nuestro entorno externo..

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Director: Barry Jenkins; Director de fotografía: James Laxton; Diseñador de producción: Hannah Beachler

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Diente de perro (2009)

Dogtooth no es exactamente una película optimista o cómoda de ver, pero puso al inimitable cineasta griego Yorgos Lanthimos en el mapa para traernos otras gemas irreverentes y brillantes como The Lobster, The Killing of a Sacred Deer y The Favourite. Dogtooth plantea un interesante, aunque perturbador, experimento mental: ¿Cómo sería una familia de adolescentes si fueran criados en completo aislamiento, moldeados solo por sus padres en un "normal" casa con mucho espacio en el patio pero sin acceso al mundo exterior? Resulta que serían bastante retorcidos en la visión de Lanthimos: el lenguaje no tiene significado más allá de lo que le asignamos: ¿es un avión un avión si no lo llamamos uno? El deseo sexual en ciernes encontrará una manera de liberarse, incluso si eso implica incesto. Y el impulso de dejar el universo pequeño y aislado de uno y explorar lo desconocido vale la pena. Extraño, sí. Pero oh, la paleta de colores que inspira.

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Director: Yorgos Lanthimos; Director de fotografía: Thimios Bakatakis; Diseñador de producción: Elli Papageorgakopoulou

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Una arruga en el tiempo (2018)

¿Recuerdas este clásico de la infancia? La fantástica interpretación de Ava DuVernay del libro de Madeleine L’Engle es gloriosamente exuberante. Ella le da vida con fantasía, vitalidad y mucha imaginación. A Wrinkle in Time sigue a la joven Meg y su hermano pequeño Charles mientras se embarcan en una búsqueda para encontrar a su padre científico después de que él se ha ido durante cinco años, descubriendo un nuevo planeta (donde llegó a través de tesseract, que, si me preguntas, es demasiado complicado de explicar a los adultos y mucho menos a los niños, pero en pocas palabras, crea una arruga literal en el tiempo y el espacio, de ahí el título de la historia). Los hermanos son guiados por tres sabios viajeros astrales (interpretados por Reese Witherspoon, Oprah Winfrey y Mindy Kaling, sabios de hecho) en la aventura de su vida. Es un reloj divertido que toda la familia puede disfrutar junta..

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Director: Ava Duvernay; Director de fotografía: Tobias A. Schliessler; Diseñador de producción: Naomi Shohan

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Retrato de una dama en llamas (2019)

Si eres fanático de una pieza romántica de época, abróchate el cinturón. Retrato de la dama en llamas nos lleva a la costa francesa de 1770, donde se encarga a una pintora, Marianne, que haga el retrato de la novia en espera, Héloïse, pero tiene que hacerlo sin que ella lo sepa, ya que Héloïse se niega a sentarse para un retrato porque en realidad no quiere casarse. Por eso Marianne debe observarla durante todo el día y completar el retrato a escondidas (¡Tantas miradas robadas! Dijimos que estaba humeante …). A medida que se desarrolla la historia, su vínculo se profundiza y la trama se intensifica, pero más allá de eso, la película subvierte la mirada masculina, en lugar de experimentar con una femenina en todos los niveles: temáticamente, pero también a nivel de producción con mujeres detrás de la cámara..

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Director: Céline Sciamma; Director de fotografía: Claire Mathon; Diseñador de producción: Thomas Grézaud

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